Antonio Canova to włoski rzeźbiarz i artysta. Był najważniejszym przedstawicielem klasycyzmu w kulturze europejskiej. Naukowcy XIX wieku, w tym Thorvalsen, uważali go za wzór do naśladowania. Największe zbiory dzieł Canova znajdują się w Luwrze i Ermitażu.
Wybitny przedstawiciel nowego klasycyzmu chwalił idealne piękno. Swoją pracą dokonał rewolucji w sztuce. Mistrz zaczął tworzyć w stylu barokowym Lorenza Berni, ale potem udało mu się znaleźć własną ścieżkę.
Początek kreatywności
Biografia słynnego mistrza rozpoczęła się w 1757 roku. Urodził się we włoskim mieście Possagno w rodzinie kamieniarza Pietro Canova i jego żony Angeli Zardo Fantolini 1 listopada. Ojciec zmarł w 1761 r. Dziecko zostało wychowane przez dziadka.
Pazino Canova, który prowadził warsztaty kamieniarskie, był bardzo trudny. Chłopiec nauczył się pracować z kamieniem. Dziadek zauważył talent swojego wnuka i przedstawił Antonio Giovanni Faliero. W 1768 roku, pod patronatem wpływowego senatora, młody mistrz rozpoczął produkcję pierwszych dzieł.
Aby uczyć wnuka, jego dziadek sprzedał farmę. Otrzymane fundusze Antonio był w stanie studiować sztukę epoki starożytności. W październiku 1773 r. Młody człowiek rozpoczął rzeźbę „Orfeusz i Eurydyka”, zamówioną przez swojego patrona. Zakończył rzeźbienie Canova dwa lata później. Sukces pracy był ogłuszający.
Źródłem inspiracji dla młodego rzeźbiarza była starożytna sztuka grecka. Uznane arcydzieła jego czasów nie są uwzględniane w wielu wzorach do naśladowania. W Wenecji Antonio otworzył swój warsztat. W nim w 1779 r. Powstała nowa kompozycja, Dedal i Ikar. Po wystawieniu go na Placu Świętego Marka ponownie spotkało się z powszechnym uznaniem.
Cudowna robota
W jednym z pierwszych udanych dzieł Canova przedstawiono dwie postacie. Icarus jest nienagannie piękny i młody. Ciało starego Dedala jest niedoskonałe.
Dedal i Ikar
Na przykładzie zestawienia młodości i starości wrażenie kompozycji znacznie się zwiększa.
Rzeźbiarz znalazł i zastosował nową, która stała się ulubioną techniką. Oś symetrii biegnie przez środek, ale postać Ikara odchyla się do tyłu. Obaj bohaterowie wspólnie tworzą linię w kształcie litery X, zapewniając niezbędną równowagę. Dla mistrza ważna była także gra cienia i światła.
W 1799 roku dwudziestodwuletni mistrz przeprowadził się do Rzymu. Zaczął studiować dzieła mistrzów Grecji. Po poznaniu wszystkich głównych bohaterów mitologii Canova zaczął zastanawiać się nad własnymi tradycjami artystycznymi. Młody mistrz postawił szlachetność prostoty u podstawy. To znacznie wpłynęło na jego pracę.
„Kupidyn i psychika”
Rzeźby współczesnych Antonio na równi z legendarnymi rzeźbiarzami starożytności. Mistrz pracował nad poprawą stylu klasycznego. Rzeźbiarz idealnie wpasowuje się w kulturową atmosferę wiecznego miasta. Jego praca przyniosła mu uznanie i światowy sukces.
Kompozycja „Kupidyn i psyche”, wykonana w latach 1800-1803, jest reprezentowana przez dwie postacie. Bóg miłości z czułością spogląda w twarz pięknego kochanka. Psyche odpowiada mu z takim samym uczuciem. Przecięcie obu postaci tworzy uzwojenie i miękką linię w kształcie litery X.
Publiczność ma wrażenie unoszących się w powietrzu postaci. Psyche z Kupidynem odchylają się po przekątnej. Równowagę osiągają rozpostarte skrzydła mieszkańca Olympus. Centrum kompozycji stanowi przytulający się bóg miłości Psyche. Kształty kształtów wyróżniają się elegancką gładkością. Tak więc mistrz wyraża ideał piękna. Oryginalna statua jest przechowywana w Luwrze.
Pierwsze prace rzeźbiarza powtórzyły prace wybitnych rzeźbiarzy. Jednak studiując dzieła greckich mistrzów, Canova postanowił nie przesadzać o znaczeniu pasji i gestów w swoich kompozycjach. Doszedł do wniosku, że jedynie dzięki ścisłym obliczeniom i kontroli może przekazać zmysłowość idealizmem.
Prace mistrza nie były niczym sztuki znanej współczesnym. Stopniowo Canova tworzyła unikalne dzieła, przechodząc od wosku i gliny do gipsu. Dopiero gdy wszystko zaczęło pracę z marmurem. Rzeźbiarz pracował niestrudzenie przez 14 godzin, nie opuszczając warsztatu nawet przez minutę. Brak informacji o jego życiu osobistym.
„Trzy łaski”
W latach 1813–1816 powstała rzeźba „Trzy Gracje”. Pomysł został przedstawiony przez Josephine Beauharnais. Istnieją przypuszczenia, że rzeźbiarz początkowo miał przedstawiać Harit tradycyjnie, jak zakładano w mitologii. Thalia, Eufrozyna i Aglaya, piękne córki Zeusa, towarzyszyły bogini piękna Afrodyty.
Symbolami łaski stały się radość, dobrobyt i piękno. Centralną postać kompozycji obejmują pozostałe dwa. Jedność wzmacnia szal, łącząc je. Filar z umieszczonym na nim wieńcem służy jako rodzaj ołtarza.
Grę światła i cienia osiąga się dzięki gładkości wygięć ciał i perfekcyjnej obróbce marmuru. Technikę tę zastosowano w innych dziełach mistrza. Harmonia i wyrafinowanie ucieleśniają trzech Harites. Oryginalna rzeźba jest przechowywana w Ermitażu.
Marmurowy rzeźbiarz użył tylko białego marmuru do modelowania. Dzięki harmonii kompozycji spokój kreacji wydaje się żywy. Wrażenie ożywienia w ruchu. Cechą talentu mistrza było maksymalne polerowanie materiału. Wszystkie prace zyskały szczególny blask, zwracając uwagę na naturalność.
